Valentín Kovatchev es un pintor búlgaro que reside en la localidad malagueña de Benalmádena. El destino quiso que una madrileña, Charo, se cruzase en su vida durante un viaje en la ciudad de los canales, Venecia. Desde entonces, ambos giran alrededor del mundo de los lienzos y las exposiciones de arte. Él como pintor. Ella como representante.

Si el trabajo es un equilibrio entre talento y suerte, Kovatchev es nuestro hombre. Desde pequeño, asimiló que las formas y los colores no se mezclan en perfecta simbiosis sin un esfuerzo previo. Con el paso de los años, comprendió que ser un creador de obras de arte es una satisfacción personal, pero que un desconocido se emocione delante de la obra propia es impagable y mágico.

P.- ¿Cómo acaba una periodista delante de los fogones?

R.- Es la pregunta que más me hacen. Desde muy pequeña me encantó la cocina. Quería estudiar restauración y hostelería en Suiza pero la vida me retuvo en Madrid. Tuve que posponer mi sueño un poquito. Un día oí hablar de Le Cordon Bleu, una escuela de cocina y pastelería muy prestigiosa y se me encendió la bombilla. ¿Por qué no convertir mi pasión en profesión? En mi tercer año de carrera trabajé durante dos meses en La Broche de Sergi Arola. Y después, al acabar los estudios, me fui a París donde comenzó todo.

P.- Y después de tanto tiempo, ¿qué ha quedado del periodismo en su interior?

R.- La carrera me amuebló la cabeza y me enseñó a ser organizada. Las nociones de comunicación son vitales para dar a conocer tu negocio. Saber expresarse puede marcar la diferencia en conseguir un cliente de por vida o que no te llamen más. Ser periodista es la base que me permite moverme con soltura. Por otra parte, en la actualidad he conseguido compaginar mis dos pasiones, así que cocino y escribo semanalmente en el suplemento de La Gaceta de Fin de Semana “FAMILIA”.

P.- Sin olvidar su faceta de empresaria, ¿qué le llevó a crear Chef Privado?

R.- Al volver de París tuve algunas ofertas pero ninguna reunía las cualidades que buscaba. Siempre me he sentido atraída por crear mi propio negocio y, en cierto modo, ser dueña de mi destino. Este proyecto llegó en el momento perfecto y no podía perder la oportunidad de ofrecer un servicio tan atractivo y ser la primera en hacerlo con estos planteamientos de ‘alta cocina para todos, un restaurante en casa’.

P.- Una idea estupenda que no deja de entrañar algunas complicaciones. ¿No le cuesta cocinar en un lugar que no conoce?

R.- Antes de prestar un servicio se visita la casa del cliente. Hay que ver qué tiene y qué puedo necesitar. De esta manera evito las sorpresas. A veces me cuesta habituarme a las cocinas con inducción y a algunos hornos. Pero la dificultad todavía lo convierte en más apasionante.

P.- Supongo que el resultado será espectacular aunque ¿también triunfa la alta gastronomía entre los más pequeños?

R.- Tengo hermanas pequeñas y cuento con un máster en ‘Mamá no me gusta esto’. Lo más importante es llevarles a la cocina, que vean por qué ponemos cebolla y qué pasa si no la añadimos. Doy clases de cocina a niñas de 6º y 1º de ESO en la asociación cultural La Yuca. Les enseño a cocinar lasaña de atún con berberechos, risotto con queso bofard, cocciones de filetes… Al principio les costaba que no hiciésemos lo que más les gusta pero, poco a poco, se han dado cuenta de lo divertido que es y ponga lo que ponga todas se mueren por probarlo al final de la clase.

8 preguntas rápidas para el chef

P.- Al hablar de comida siempre se recuerdan los guisos de las madres y las abuelas ¿qué ha aprendido usted de ellas?

R.- En mi familia no hay esa tradición culinaria, ese ‘plato de mi abuela’. Se puede decir que soy el principio de esa tradición y espero que mis hijos cocinen y adoren la cocina tanto como yo. Un buen plato nunca se olvida, se queda grabado en las papilas.

P.- ¿El buen chef es exquisito siempre y cocina hasta la tortilla francesa con un toque especial o cuándo llega a casa se quita el gorro?

R.- Yo hago la comida todos los días en mi casa. Me imagino que depende de tu horario. Pero normalmente a los cocineros nos gusta comer bien y no hay nada mejor que hacerlo uno mismo. Por cierto, si se le pone un chorrito de nata a la tortilla francesa está aún más tierna.

P.- ¿Ha visto la película Ratatouille? Imagino que no le inspira un ratón en sus platos… ¿Entonces qué?

R.- No me la podía perder. Me inspira el día a día, las conversaciones con la gente, el mercado, mi colección de libros de cocina, las charlas con mis colegas, los viajes, la inquietud por renovar y sorprender; la cabeza nunca deja de absorber información útil.

P.- ¿Dulce o salado?

R.- Adoro la pastelería. Es ordenada, exacta, bella y exquisita. La pastelería me produce paz. La cocina es más como la guerra, todo es más rudo aunque también disfruto muchísimo.

P.- Dígame dos condimentos incompatibles.

R.- Hoy día no hay reglas para condimentar, hay pollo al regaliz y tempura de helado.

P.- Dos que se complementen a la perfección.

R.- El foie gras a la plancha con higo fresco y la trufa con la vieira.

P.- Su método. ¿Exactitud o intuición?

R.- Soy bastante perfeccionista y eso significa todo organizado, hasta el más mínimo detalle. Normalmente me doy un respiro con el emplatado e improviso sobre la marcha. Para cocinar los tiempos de cocción son aproximados y con la costumbre ya sabes cuando están listas las cosas. La pastelería es más una ciencia, si son 10 gramos y 3 minutos, haz eso y saldrá bien.

P.- Su plato favorito.

R.- Es difícil decidirse. Cualquier plato bien hecho me encanta.

Sin embargo, James Bogan es conocido por adorar Brasil, a donde ha viajado ya en diez ocasiones. Cree que es el destino lo que le hizo enamorarse de ese país, y a su “amor” ha dedicado la trilogía Brazilogy y varios poemas. “Me vuelvo brasileño cuando estoy allí y, realmente, pocas cosas van mal. Cuando hablo portugués me siento más feliz”, dice riendo.

Fue una beca Fullbright, en 1984, la que le hizo descubrir Brasil. Sin saber ni una palabra de portugués llegó a Belem, donde gastó todo el dinero que tenía para libros en comprar cintas y así rodar una película. Fue la primera vez que cogió una cámara; el resultado: The T-Shirt Cantata, un corto que él describe como “el equivalente cinematográfico a un poema de Walter Whitman“, uno de sus escritores preferidos y sobre el que realizó su tesis.

En la canción de las camisetas no hay voz, Bogan recurre a las camisetas que llevan los vecinos de Belem para enseñar su vida. “Me gusta pasear por la calle, porque algo va a pasar. En un poema de Whitman él pasea y observa. Me gustaría que The T-Shirt Cantata consistiera en ese tipo de experiencias”, apunta.

Después del primer corto, vinieron más. Volvió a Brasil y rodó The Hammock Variations, en el que habla del paso del tiempo mostrando a los brasileños meciéndose en las hamacas, de las que se ha convertido en un defensor a capa y espada.

Para terminar la trilogía, regresó al país en 2005 y grabó The Adventures of the Amazon Queen, su preferido: un documental de 8 minutos en el que se narra cómo un niño llamado Manuel hace un pequeño barco de madera en el Amazonas. El mérito: comprimir 30 horas de trabajo en 8 minutos.

Poesía en cine

Para Bogan, éste y los demás cortos son documentales poéticos. “La parte poética está en las aventuras del barco, el documental en las escenas en las que se ve la vegetación, la gente, el río, etc.”.

En su última aventura en Brasil, el americano consiguió que la población se involucrara realmente en el rodaje, ya que la cámara “creaba un espacio de expectación”. También el pequeño bote consiguió que Bogan hiciera nuevos amigos. Pero no sólo ocurrió en Brasil. Allá donde va para hablar de sus películas, ya sea una universidad o una cafetería, lleva su pequeño bote consigo, llamando la atención de todos los que están a su alrededor.

Pero no sólo ha dedicado sus recursos en cine a Brasil. Otros de sus documentales son Tom Benton’s Missouri, el más “tradicional” sobre un muralista estadounidense, Chalk Up Another, Dreams of the Dark River, y Evening Songs of the Fishermen entre otros. Sin embargo, él dice que primero es un poeta, admirador de Walter Whitman y William Blake. Desde que publicó Trees in the Same Forest en 1976, no ha dejado la pluma.

Versos brasileños

Pero ahora, su pasión por Brasil impregna también su poesía. Todos los poemas de su último libro Trance Arrows pueden leerse en inglés y portugués; incluso afirma que algunos poemas suenan más bonito en portugués que en su lengua natal.

Le encanta leer y, como si se tratase de la mayor obviedad del mundo, afirma: “Si no tuviera un libro sería un peligro”. Afición que no encaja a la perfección con su necesidad por viajar y moverse, algo que ha inculcado a sus dos hijos y a sus dos hijas. “Una de las mejores cosas de ir a Brasil es que me hace preguntarme cosas, estimula la curiosidad”, señala.

Su espíritu artista le lleva también a probar con la escultura, aunque de momento sólo se atreve con los sombreros y las espirales, ’su’ símbolo, aunque nunca ha intentado entender por qué. Sobre escultura va su último trabajo, casi terminado: Naked Bronze, un documental de 30 minutos sobre un escultor de Ozarks, Louis Smart, que sigue la tradición de Rodin.

Su labor como profesor de Arte en la Universidad ha sido reconocida en varias ocasiones con distintos premios, aunque él los atribuye a sus alumnos. También ganó un premio por The Amazon Queen, antes incluso de que se estrenara, algo que le llena de orgullo. Ahora, recién acabado el último corto, se centra en la poesía, pero su próximo libro todavía no tiene título.

Libros:

• Giancarlo
• Nether Poems
• Bielecky
• Essential Pursuits
• Brazil Story (prosa)
• Burdens of Dreams
• Sparks of Fire
• Ozark Meandering
• Trance Arrows (bilingüe)

Películas:

• Tom Benton’s Missouri
• Dreams of the Dark River
• Chalk Up Another
• Evening Songs of the Fishermen
• Brazilogy (The T-Shirt Cantata, Adventures of the Amazon Queen y The Hammock Variations)
• Naked Bronze (casi terminado)

Premios:

• 2005: University of Missouri System Presidential Award for Outstanding Teaching
• 1997: Governor’s Award for Excellence in Teaching
• “Distinguished Teaching Professor”
• 1993: Faculty Excellence Award

Sus favoritos

• Animal: camello
• Árbol: sicomoro
• Fruto: cacahuete
• Pájaro: halcón de cola roja
• Roca: chert (variedad de cuarzo)
• Fruta: sandía
• Deporte: andar en bici y esquiar
• Aficiones: quedarse “embobado” mirando el atardecer
• Músicos: John Coltrane, Pharoah Sanders y Anton Dvorak
• Jugador de baseball: Jungle Jim Rivera
• Poetas: William Blake, Walt Whitman y Bob Dylan
• Pintores: Tom Benton, Jacques-Louis David, Brueghel y Candido Portinari
• Novelistas: Herman Melville, Patrick O’Brian y Louise Erdrich
• Islas: Mackinac (Michigan) y Manhattan
• Escultores: Andrew Goldsworthy, Auguste Rodin y Louis Smart
• Directores de cine: Federico Fellini, James Broughton y Les Blank
• Ciudades: Londres, Chicago y Belem do Para
• Ríos: Amazonas y Big Piney

TWO POEMS WRITTEN IN MEXICO CITY

                  I.

red plastic hammer in hand

the skipping boy

blams his balloons

red & blue

back & forth

blamming the red

the blue be-blammed

betimes

 

a wailing cop-car

flashes by red

flashing blue–

fun & fatality

conjunct

in color coordinates

at the corner

 

            II.

despite my already long life

blessed with women, children,

work and world

I stare empty

out the café window

impatient of the check

 

a dark eyed dark haired girl

of maybe four walks by

tan little hand

in her father’s brown big hand

a broad border of satin blue

defines her skirt

           

my respectful nod

and upraised palm

finds the father’s eye

the apple of whose

she is

           

silent praise passes

through the glass

returned in the glimpse

of his proud smile

that breaks

open 

my blocked heart

 

James Bogan

In the shadow of the Zocalo

El artista elige siempre las ciudades cuando tiene que sobrevivir, pero se transmiten sensaciones y estados de ánimo confusos. “Hay mucha gente urbana que usa así su pintura”, afirma Juan Sukilbide. La pintura urbana siempre refleja la vida, la luz y los colores del ciudadano. Y por supuesto su incesante movimiento.

Las ciudades son el foco de vida de los artistas en el siglo XXI. Allí nace el mecenazgo, el baluarte de la compra venta que justifica la supervivencia del Arte. Pero nadie las aguanta mucho tiempo, el Arte se lleva mal con las grandes urbes. “Puede que esté harto de las ciudades grandes, las pinto más por interés que por qué me guste la ciudad”, respondió el poeta de la soledad urbana Antonio López García a las preguntas del diario El País.

Nervios de artista

Hace siglo y medio, “el impresionismo huyó de los espacios cerrados en busca de la pureza lumínica”, dice Juan, y “el romanticismo anterior las detestaba por oposición a los neoclásicos que estuvieron a su servicio”. Al artista en general, la ciudad del siglo XIX no le acaba de gustar e incluso “le exasperan y ponen nervioso”, como declaraba a su hermano Theo el maestro Vincent Van Gogh. Así que muchos artistas tienen refugios peculiares.

En Dicastillo vive Juan Sukilbide con su esposa Marijose desde hace muchos años. Para llegar al palacio realengo, ahora en parte hotel y parte en restauración, debe encontrarse el camino que desde Estella, conduce a Dicastillo y no perder la paciencia ante la escasa señalización. Si se sigue recto desde Estalla, camino a Lerín o Lodosa, las colinas de Dicastillo aparecerán a mano derecha.

El pueblo se esconde entre dos lomas del piedemonte sur de Montejuarra. Allí, hay que atravesar el dédalo empedraro del interior de la villa para acceder a su extremo sur donde se alza el Palacio de la Condesa de la Vega del Pozo.

En una de las alas laterales del Castillo, predomina la luz natural que para Sukilbide es el bien más preciado para un artista intuitivo. Es el templo elegido para dar a luz sus obras. “Un lugar espacioso que pueda contener todos los tamaños y con una luz natural omnipresente”, afirma Sukilbide mirando a través de uno de los ventanales que ocupan casi por entero dos muros de la estancia.

La luz palaciega

Juan Sukilbide no ha escapado de la ciudad por el horror y la congestión urbana. A él la ciudad no le pone tan nervioso como a otros pintores del pasado, dijo el pintor. “Yo soy una persona bastante serena, no necesito la pintura para apartarme de mis preocupaciones”, recuerda el artista.

A Sukilbide le gusta Dicastillo “porque la luz es distinta, se puede retener y congelar”. Si hay una cosa que el pintor no puede soportar a la hora de enfrentarse a sus lienzos, es la luz artificial. Con ella, asegura Juan, se escapa el sentido más profundo de la imagen y del color. Pero a pesar de querer la luz natural se arriesgará este verano con la creación digital en un taller organizado en Dicastllo. ¿Por qué?

“Igual internet y el soporte digital no son tan distintos del arte que puedas hacer con un pincel”, dice Sukilbide. La necesidad del pintor por sacar sus herramientas y extender el material es la misma y esa es su “función más básica”. Según el artista es la misma que “la necesidad que se siente ante un soporte digital por transmitir algo”.

Sukilbide afirma que en internet puede compartir su pasión por la imagen, por la escena, la situación y las personas. “Las herramientas digitales permiten abrir un campo distinto y lleno de magia para una creación de la imagen sin barreras” asegura.

Juan Sukilbide abrirá entre los meses de julio y agosto las puertas de su estudio en Discatillo para unas sesiones de pintura y escultura entre los que se incluirá un espacio sobre arte y creación digital. El taller que comenzará el 25 de agosto estará a cargo de Javier Arbizu, Txaro Fontalba, Jesus Redin, Patxi Ezquieta, Eneko Erzer y Suso Pollo seis guías espirituales para los que quieran experimentar la creación digital en la paz de un castillo.

La pintura de Juan Sukilbide se caracteriza por buscar la alegría y la vitalidad de la intuición en el momento de pintar. Los materiales buscan sobre el lienzo la expresión de intuiciones basadas en formas esenciales, luces intensas y naturales y sobre todo color. Por ello la creación digital en Dicastillo puede superar la vieja relación de amor/odio entre el medio urbano, industrializado y digital y la paz y la quietud del arte.

La poesía es para Aldaya una manera de descubrirse, explicarse quién es y comunicarse, pero el motivo de sentarse delante del papel es casi siempre una terapia: desahogarse y cerrar una herida abierta que tiene que sanar. Escribe sobre un ‘chispazo’, algo que le despierta de la rutina y le conmueve. Ese ‘chispazo’ se refleja también en sus ojos marrones cuando habla, muy vivos, que siguen el ritmo de sus palabras.

El proceso de creación

Como si se tratase de una especie de brujo asegura que, sin saber cómo, unas horas antes de crear versos sabe que tiene una disposición hacia la escritura. Una vez escrito, el poema tiene que ser pulido como un bloque de piedra. Ésta es la fase que le quita más horas de sueño, ya que la considera más importante. “El autor debe trabajar de tal manera que no obligue al lector a trabajar, sólo que trabaje su imaginación, que haga su propia lectura y saque sus conclusiones”, dice exigente consigo mismo.

Y, ya pulido, pretende que el lector se reconozca en la herida curada, que ya es “menos herida”, y comparta su dolor. Ahí es donde Aldaya se encuentra con sus lectores. Considera que antes de la publicación de las obras no debe dejarse influenciar por ellos, porque “el momento de la escritura es un momento íntimo”; es el momento de “ser fiel a uno mismo”.

Vida y literatura

Aldaya muestra sin tapujos un sentimiento de total honestidad frente a lo que escribe. Se desnuda ante sus lectores y se expresa desde que tenía unos 7 años. “No difiere mucho lo que eres de lo que escribes”, apunta. “Vida y literatura van de la mano. Te expones tú porque eres tú el que escribes”.

No del todo satisfecho con las definiciones de poesía que encuentra en los diccionarios propone la suya: “una mirada“. Sus poemas reflejan su mirada hacia el mundo, que comparte con los lectores.

Parece difícil, pero asegura que “se puede transmitir todo”. Él lo hace intentando rellenar los espacios entre palabras de optimismo y con un toque de humor que le caracteriza -siempre sonriente- a veces teñido de cierta amargura. Y es que, normalmente, su estado de ánimo al coger la pluma es de melancolía.

Quizá donde más se aprecia ese estado de ánimo es en Poema York, su último ‘hijo’, nacido a finales de 2006 y en el que el dolor cobra todo el protagonismo. En esa ciudad de poemas, comparten páginas la caída del Imperio Romano y la del World Trade Centre. Un libro fruto de la somatización de la desesperación de miles de personas, víctimas de la tragedia del 11S.

Defensor a ultranza de las bibliotecas públicas, donde le gusta investigar y buscar libros descatalogados, su relación con los libros es especial, porque se “encuentra con ellos”: “Él me mira y yo le miro”, dice sonriendo.

En su primer trabajo, Inventario de Panes y Peces (Ediciones Fecit, 2003), acerca a nuestros días las historias recogidas en la Biblia. Lo escribió cuando tenía entre 20 y 25 años y es del que menos habla, no porque le quiera menos; quizá porque fue el primero o porque el segundo es el hijo rompedor, atractivo y arriesgado.

Lo máximo en la mínima expresión

SMS (Editorial Calambur, 2007) contradice en cierta manera a su autor cuando dice que se considera una persona realista. Con este libro se lanzó a una aventura creando un arriesgado juego literario como es utilizar el lenguaje de los teléfonos móviles para hacer poesía, porque “también es poesía”. “Me decía ‘Estoy loco’, pero tuve la intuición de que era algo que se iba a adherir a nuestra vida y no era una moda pasajera”.

Es otro ejemplo de su afán por comunicarse con el lector. Esta vez, una obra “que la entienda todo el mundo y que guste a un filólogo”, un intento de acercar la poesía a los jóvenes y desmitificarla. En SMS equipara un libro a un móvil, porque ambos comunican. “Un sms es la concisión: decir lo máximo en lo mínimo, igual que un poema”.

Su autor, muy humilde, deja adivinar que el libro tuvo éxito; de hecho, el poeta Ángel Erro lo está traduciendo a euskera. Él no tiene prisa. Por ahora ha decidido darse un respiro, ver qué ha hecho hasta ahora con perspectiva y, con calma, seguir escribiendo poemas que esconde en un cajón sin ni siquiera releerlos de momento. Después les quitará todas las letras que sobren para dejarlos en la cantidad más pequeña posible de palabras con el mayor significado posible, cm en 1 sms.

Sus libros:

• Inventario de panes y peces: Ediciones Fecit, 2003
• SMS: Editorial Calambur, 2007. Premio de Géneros Literarios, Encuentros de Jóvenes Artistas, 2005 (Gobierno de Navarra)
• Poema York: Gobierno de Navarra, 2007. Premio a la Creación Literaria, 2006 (Gobierno de Navarra)

El oscense Antonio Arazo es un artista culinario. Participó como organizador en las jornadas de degustación popular de la trufa negra Trufa-te que se celebraron en el hotel ABBA de Huesca del 23 de febrero al 9 de marzo de este año. Comenzó su carrera profesional en Huesca a edad temprana y ha recorrido como jefe de cocina varios establecimientos hoteleros de la geografía española hasta establecerse definitivamente en su ciudad natal.

P.- ¿La trufa es un buen ingrediente para la creación de nuevos platos? ¿Qué alimentos ligan mejor con ella?

R.- No es un ingrediente que permita grandes creaciones, más bien sirve de acompañamiento. Es uno de los manjares de la cocina que se puede usar durante todas las estaciones del año, preferentemente entre octubre y enero. Todos los alimentos se llevan bien con la trufa, especialmente los dulces y las aves. Los alimentos grasos como el cerdo y los risottos son los mejores.

P.- Su utilización, ¿se presta más para la cocina tradicional o para la creativa?

R.- En general lo mejor es ser creativos, pero sin olvidar la tradición.

P.- ¿Utiliza los dos tipos de trufa: la blanca y la negra?

R.- Sí, tanto la Tuber Magnatum Pico (blanca) como la Tuber Melanosporum (negra)

P.- ¿En qué se diferencian: sabor, textura, etc.? ¿Cuál es la más apreciada?

R.- Son diferentes en cuanto al color y las formas, la finura del aroma de la trufa Melanosporum contrasta con el sobrearoma de la Magnatum Pico. Esta última hay que utilizarla en su justa medida debido a su intenso aroma. En cuanto a la más apreciada, depende del paladar de cada uno; debido a la potencia de su sabor, la blanca no gusta a todo el público.

P.- En el mercado, ¿qué diferencias de precio hay entre la trufa blanca y la trufa negra? ¿Cuál escasea más?

R.- El precio de la trufa negra oscila entre 400 y 800 euros el kilo y el de la trufa blanca entre 2.500/5.500 euros/kilo. La más escasa es la trufa blanca debido a que no se puede cultivar y a que sólo se conserva fresca unos pocos días, creciendo exclusivamente en el periodo que va de octubre a enero.

P.- En cuanto a la trufa negra, ¿cuál da mejor resultado en los platos, la trufa silvestre o la cultivada?

R.- Yo diría que no hay una diferencia clara, la clave está en que el punto de maduración sea óptimo.

P.- El público prefiere menús de degustación o un ‘par’ de platos abundantes?

R.- La mayoría de nuestros clientes se decanta por el menú de degustación y si vuelven dentro de las ‘jornadas’ a nuestro establecimiento suelen optar por platos concretos de la carta.

P.- ¿Qué vinos son los más apropiados para acompañar estos menús que tienen a la trufa como ingrediente culinario?

R.- Lo mejor es acompañarlos de un buen vino blanco, nosotros recomendamos el Chardonnay en barrica, aunque también se puede asimilar con un buen tinto, la realidad es que puede ir con todo, incluso con cava.

P.- ¿Qué plato puede ser considerado estrella por ser el preferido del público?

R.- El plato estrella son los huevos fritos trufados con crujiente de patatas paja; pero también hay que destacar la tortilla de trufa, el risotto con trufa y boletus y el pavo con trufa.

P.- Específicamente, ¿tiene algún plato que sea de creación propia?

R.- El helado de trufa. Fue el primer helado de trufa a nivel nacional, aproximadamente hace once años. Por mucho que intentes hacer alguna creación, la mayoría son composiciones de platos y diferentes variantes.

P.- Las jornadas celebradas este año en el hotel ABBA sobre la trufa negra, ¿qué objetivos perseguían? ¿Respondió el público como se esperaba? ¿Qué balance haría de las mismas?

R.- El objetivo era promocionar y dar a conocer la trufa Melanosporum de Graus (Huesca) para un público que desconocía sus posibilidades y así poder potenciar su consumo. Respondió con creces gracias a la excelente promoción. El único inconveniente fue la inadecuada capacidad del establecimiento, pues muchas personas tuvieron que quedarse fuera. El balance es muy satisfactorio ya que asistieron miles de personas.

P.- ¿Se celebran este tipo de jornadas en alguna otra parte de la geografía española?

R.- Esta actividad como tal, Trufa-te, sólo tiene lugar en Huesca y posteriormente se celebró otra en Graus con gran éxito.

Muy personal

P.- ¿Cómo definiría su cocina: tradicional o creativa?

R.- Cocina artesanal y tradicional, respetando sobre todo el producto de temporada. Todo natural y ecológico. Trato de hacer una cocina que no sea muy snob.

P.- ¿Siempre tuvo vocación de cocinero? ¿Se nace o se hace?

R.- Sí, desde crío, a los 14 años estaba en una cocina. Hay grandes cocineros que se han hecho a sí mismos y otros a los que los han hecho. Para ser un gran profesional el cúmulo de experiencias es fundamental.

P.- Recomiende un menú o un plato que sea su favorito.

R.- Surtido de setas silvestres y el arroz en sus diferentes formas.

P.- Algún cocinero de referencia.

R.- Me gusta ir por libre sin seguir tendencias, aunque siento admiración por Santiago Santamaría y Fernando Abadías.

P.- ¿Cómo ve la formación de los futuros cocineros?

R.- El problema es el poco espíritu de sacrificio y de disfrute de la profesión. En una cocina no vas a ganarte un gran jornal, hay que pasarlo bien y disfrutar de lo que se hace.

P.- ¿Qué les diría a los futuros profesionales?

R.- Que tengan sacrificio y paciencia. Seguir siempre una línea y marcar una meta a la que llegar, la intención no debe ser llegar de golpe arriba.

P.- ¿Qué opinión le merece la cocina minimalista?

R.- Cuando se hace con productos de calidad y en una cantidad digna puede ser impresionante. Pero cuando lo único que se busca es el beneficio económico…

P.-¿Cómo es Mabi Barbas?

R.-Soy diseñadora gráfica profesional desde hace más o menos 15 años. Empecé en esto como amateur, pero soy de mente inquieta y siempre ando explorando nuevas formas de comunicación. Soy amiga de la protesta y enemiga del conformismo, abogada del diablo y mente calenturienta. Todo lo veo y de todo tomo buena nota. De ahí salen mis camisetas.

P.-¿Qué es Superfreak?

R.-Es una marca de diseño y venta de camisetas, tanto de trabajos propios como personalizados para clientes que me sirve como vía de escape. Aquí hago lo que quiero, yo tengo el control sobre mi producto.

P.-¿Cómo surge la idea de crear Superfreak?

R.-Surgió como una broma. Me hacía camisetas para protestar por cosas que me pasaban en el trabajo, con mi jefe, etc. Por ejemplo escribía “fulanito es un negao”, pero en tipografía EAN (la de los códigos de barras); todo el mundo sabía lo que ponía en realidad en la camiseta, pero mi jefe no, y cosas de ese tipo. Además, hacía camisetas específicas para mis amigas, cuando se peleaban con el novio…

P.-¿Por qué decidiste centrarte en el diseño de camisetas y no en el de otros complementos, como pulseras o cinturones?

R.-Todo el mundo se pone camisetas, pero no todo el mundo utiliza pulseras. Es más fácil expresar algo en un soporte que tenga unas mínimas dimensiones, que utilizar una pulsera, que es tan limitada. Me gustaría cubrir algún edificio enorme con una lona que llevara mis eslóganes, pero eso es más una intervención artística que un medio comercial.

P.-¿De dónde salen las ideas para la producción de camisetas?

R.-Son producto de mi mente calenturienta, pero tienen mucho de observación, y sobre todo de escuchar lo que dice la gente, lo que le pasa a diario. Todas las camisetas salen de una vivencia, bromas privadas, etc. La camisetan de A las 5 am no existen príncipes ni princesas, sólo reinas viene de mi época de correrías nocturnas, y de observar que el que no había ligado antes de las tres de la mañana, mejor que lo dejara para otro día.

P.-Casi todo el mundo sabe cómo funciona el mercado textil en la calle, la competencia entre los comercios, etc. Pero, ¿cómo funciona una empresa que sólo vende camisetas en internet?, ¿es un proceso más complicado?

R.-Tienes que estar demostrando todo el rato que tienes un producto real y de calidad.
He acudido a alguna que otra feria (Bread&Butter, por ejemplo) y es increíble no sólo la competencia, sino la cantidad de dinero que hay en esta industria y lo difícil que es competir con un producto tan común.
P.-¿Y qué ocurre con la publicidad?

R.-Si te digo la verdad, me considero en parte una privilegiada, porque con lo poco que me publicito la marca es conocida. Me han publicado hasta en libros de arte, lo cual me llena de orgullo, pero tengo que reconocer que soy bastante underground.

P.-¿Cuál es la mayor ventaja y el mayor inconveniente de vender el producto en internet?

R.-La mayor ventaja es que puedes vender a cualquiera, ya sea de Madrid o de Hamburgo. Y el mayor inconveniente, demostrar tu credibilidad al cliente, porque hay mucho ladrón en internet, por eso siempre establezco contacto con él no sólo a través del correo, sino también vía telefónica.

P.-¿Qué es lo que hace diferentes las camisetas de Superfreak?

R.-Creo que la mayor diferencia que puedo encontrar es que Zara nunca me copiará los diseños, aunque suene un poco fuerte: mi mensaje es demasiado incisivo para ellos. Lo mío no es moda, sino denuncia, protesta, diversión.

P.-¿Cuál es el público objetivo de Superfreak?

R.-No tengo preferencias, cualquiera con sentido del humor, desde 5 a 95 años. Hay que tener en cuenta que voy a empezar a hacer ropa también para bebés.

P.-¿Tienes pensado a largo plazo vender tus productos en tiendas o sólo a través de internet?

R.-El problema principal de vender en tiendas es el encarecimiento del producto. Las tiendas añaden un 200% o 250% sobre el precio de compra. Y si tenemos en cuenta que yo hago las camisetas únicamente bajo pedido, que no tengo stock, el precio por unidad ya de por sí es elevado. Así que si una tienda me lo encarece mucho más, no se vendería el producto.

P.-¿Cómo es el proceso creativo de la empresa?

R.-Encontrar la frase adecuada es un proceso lento. A veces es una idea que me viene a la cabeza en el momento más insospechado, que apunto donde sea, para luego transcribirla. La pienso un poco, porque puede ser (casi con toda seguridad) una tontería que se me ha ocurrido a intempestivas horas. Si al día siguiente veo que funciona, busco qué gráfica le iría mejor o si, simplemente, el texto tiene valor en sí. A veces tardo bastante en conseguirlo, otras es inmediato.

P.-Una vez que el proceso termina el cliente, ¿puede elegir la frase que él quiera y hacer su propia camiseta o solamente puede elegir entre las que se ofertan en la página?

R.-Los diseños que hay en página son los que vendo. Si el cliente quiere un diseño específico también lo hago, pero eso es otro apartado de la marca y se trata de manera independiente.

P.-¿Qué planes tienes para el futuro?

R.-Tengo pensado sacar un ezine (revista interactiva) con las novedades del catálogo y disertaciones propias, porque yo no me quedo sólo en esto, siempre estoy maquinando…

P.- ¿A qué se dedica exactamente ALS?

R.- Somos consultores de iluminación arquitectónica, un campo reducido. Nos dedicamos exclusivamente a consultas de arquitectos sobre urbanismo, plazas, edificios, tiendas… A pesar de ser especialistas en iluminación, somos arquitectos. Para estas labores el punto de vista arquitectónico es imprescindible.

P.- ¿Se dedican a la iluminación de todo tipo de arquitectura?

R.- No, sólo tratamos la alta arquitectura (edificios importantes y de arquitectos distinguidos). Nuestro servicio va dirigido a unas arquitecturas muy concretas, no hacemos iluminación de viviendas, por ejemplo. Decidimos qué, cómo y dónde tiene que ir cada cosa.

P.- ¿Su actuación es independiente del arquitecto autor del edificio que requiere sus servicios?

R.- No, se trata de ir de la mano de su equipo, se proponen ideas. Respetamos al arquitecto. La iluminación no va aparte, es algo propio; la arquitectura existe porque hay luz. De la calidad de la iluminación puede depender el éxito de un edificio. El arquitecto siempre quiere que se ilumine perfectamente sin aparatos, quiere limpieza.

P.- ¿Cuál es su metodología de trabajo?

R.- Se distinguen tres fases: el anteproyecto (un borrador), el proyecto básico (muy definido pero susceptible de mejoras y revisiones) y el proyecto de ejecución (listo para su desarrollo).

P.- ¿Qué herramientas usan a la hora de realizar el proyecto?

R.- Usamos planos y realizamos un estudio digital de la iluminación. Hay que modelar los espacios y hacer simulaciones con las lumínicas exactas en busca de la sensación que se persigue. Hay cosas, como la simulación del agua, que no es posible conseguir con estos programas.

P.- ¿Cuánto tiempo llevan trabajando en este proyecto?

R.- La primera propuesta fue en junio de 2006, un borrador con vistas a revisión que se retomó en junio de 2007; hay que hacer continuas mejoras, si la arquitectura plantea cambios, la iluminación también. En realidad no sufrió modificaciones sustanciales porque la estructura del edificio estaba clara.

P.- ¿Tan importante es la luz?

R.- Sí, podemos tener un espacio que por sus características no es agraciado y con una buena iluminación mejora ostensiblemente y a la inversa.

P.- El pabellón de España de la Expo está concebido como un edificio respetuoso con el medio ambiente. Desde la iluminación, ¿cómo se contribuye a la ’sostenibilidad’ del edificio?

R.- Lo que podemos hacer más ‘ecológico’ lo hacemos, utilizamos materiales de gran calidad para que no sean reemplazados en un largo periodo de tiempo, siempre sujetos a las normativas europeas. Este edificio, al tener varias zonas de exposición, tiene unas necesidades de luz que no permiten algunas lámparas más ecológicas. En la zona de oficinas las luminarias son fluorescentes de bajo consumo. La iluminación del estanque es rasante con un tipo de lámparas que consumen muy poquito. En la zona de restaurante, más flexible, se puede regular la intensidad de luz. La iluminación es lo más ecológico que puede ser, lo más eficiente, el número de luminarias es el menor posible. Además se cuenta con un sistema de gestión del alumbrado que regula la luz en tres encendidos.

P.- ¿Cuál es la disposición de las luces en la zona de exposiciones del pabellón?

R.- No son unas luces fijas. La estructura del techo está formada por vigas de madera laminadas, en los huecos que quedan entre esas vigas están suspendidas las luminarias en carriles eléctricos para que se puedan desplazar en función de las necesidades de luz que requiera el espacio.

P.- ¿Todo el pabellón está constituido con los carriles eléctricos?

R.- No, hay zonas como los pasillos que en vez de carriles están adosadas al techo.

P.- ¿Cómo va a ser la iluminación exterior?

R.- La idea es crear una atmósfera de luz en la parte inferior, ésta debe estar muy iluminada y fluir hacia arriba, aprovechando las capacidades del agua como la reflexión, con un efecto muy sutil.

P.- ¿Qué efectos o sensaciones visuales y lumínicas quieren conseguir?

R.- Poner en valor todo el bosque de pilares del interior del edificio. La luz interior será cálida y la luz exterior situada en el estanque, fría, acorde con el agua. Buscamos una contraposición entre la luz interior y la exterior.

P.- ¿ Han tenido algún problema a la hora de la instalación?

R.- Al final siempre hay que correr, por temas de ejecución. Hemos tenido alguna dificultad en el estanque, debido a la complejidad del efecto que queríamos buscar.

P.- ¿Qué sensación tuvieron cuando se les encargó el proyecto?

R.- Nos lo tomamos como un reto, pero con una gran motivación: va a ser el edificio más visitado de la Expo y es el más importante por ser del país anfitrión y por su arquitectura. Además, trabajar con arquitectos de renombre es un privilegio. En definitiva, es como si te llamara la selección, una representación nacional, un orgullo.

Toledo destacó desde el principio. Nadie imaginaba que un militar aspirante a piloto acabaría convertido en artista. Es de esa clase de seres que pasan desapercibidos pero que al final consiguen lo más preciado: vivir del arte. “No he tenido mecenas, aunque es verdad que algunos amigos me apoyaron y me compraron cuadros, y eso me ayudó mucho”, dice ahora el aragonés.

Luego mira a su alrededor, a la nave industrial en la que ahora vive y que él ha transformado en apartamento-sala de exposición-taller. En medio de un polígono habitado por el cierzo, Toledo comparte risas y carantoñas con sus perros: Capullo y Terry. Los animales se quedan tumbados en la parte de fuera mientras ven a su dueño coger una brocha o crear sus colores en su laboratorio particular.

Una mesa para soldar, dos estantes llenos de herramientas bien ordenadas, botes de pintura, una bicicleta, un par de lienzos de repuesto y una nevera es básicamente lo que el pintor necesita para plasmar las ideas que rondan por su cabeza. “El abstracto es como la música, como una partitura a la que no le ponemos letra”, explica.

Para Toledo este tipo de obra es “la estética por la estética”, como en otro caso “la armonía por armonía”, “lo más puro” y mientras habla coge un cigarro entre sus dedos llenos de pintura. Fuma Ducados y su bigote casi amarillo delata su vicio. Unas pequeñas gafas adornan su nariz y los borbotones de pintura decoran su chaleco, una camisa de cuadros, pantalones y zapatos.

Su figura compone la silueta de un bohemio al que el tiempo no ha cambiado. “Llevo muchos años esforzándome, dejándome la piel y he aprendido mucho. Primero empiezas siendo un mal hijo para tus padres, luego un mal padre para tus hijos”, comenta con sorna. En este tiempo ha seguido la estela de autores que él define como “rigurosos y funcionales”. No le agradan las florituras, prefiere un Tápies, Saura o al mismo Chillida. Nombra a leyendas de su tierra como Pablo Serrano o Buñuel.

Al igual que éstos crea un arte conceptual, cargado de ideas, de esencias. “Hay que pensar en abstracto”, dice Toledo. “Ver un cuadro es una cuestión de capacidad de observación, acostumbrarse a ver la estética”. Lo demás es cosa del artista. Un día a día que transcurre con música, perros y soledad. Una rutina donde los colores embadurnan todo.