Un ’single’ puede encabezar el ‘top’ de la radiofórmula más escuchada del país, aparecer segundo en la lista de ventas de singles… y quedar relegado al puesto 42 entre los más escuchados en España a través de Spotify. Es el caso del belga Milow, que pese a contar con la promoción que supone un nº 1 de Los 40 y gozar de tirón en las tiendas, pasa desapercibido en un servicio que, gracias a su modelo freemium, ha sido el pelotazo musical y tecnológico de 2009.

Las canciones más escuchadas por los usuarios españoles de Spotify dibujan un perfil no muy alejado del de las radiofórmulas, pero la música que viene de fuera se lleva de calle a los intérpretes de nuestro país. Así sucede también con el single de Alejandro Sanz con Alicia Keys, Looking for paradise, que fue número 1 en la lista 40 (por primera vez, en todos los países en los que la radiofórmula está presente) y sigue liderando las ventas de singles en Promusicae, pero que no pasa del 21 en Spotify para los usuarios españoles.

A estas alturas de diciembre, solo Macaco (9) se cuela en el top 10 de singles de Spotify, que está dominado por artistas internacionales como Black Eyed Peas (1), David Guetta (2) y Jason Mraz (3). Un poco más abajo, las estrellas femeninas Shakira (4), Beyoncé (5), Lady Gaga (7), Nelly Furtado (8) y Katy Perry (10) copan los diez primeros puestos, con la excepción de Billy The Vision & The Dancers, que siguen en el 6 con el tema del popular anuncio de Estrella Damm.

En los siguientes diez puestos sí hay cabida para grupos españoles como El Canto del Loco (11), Vetusta Morla (12 y 20) y Fito y Fitipaldis (13 y 17), que junto con Pereza, aparecen de forma muy recurrente a lo largo de la lista de los cien temas más populares del momento, un top que no se libra de Carlos Baute y David Bisbal, acompañando a Pignoise o Efecto Mariposa.

Sin embargo, los singles superventas (Promusicae) de Huecco, Manuel Carrasco o El Barrio, a pesar de estar disponibles, todavía no gozan de suficiente popularidad en Spotify. Lo mismo sucede con otras apuestas nacionales de Los 40, como el grupo bilbaíno Zenttric, la factor X Maria Villalón o Antonio Orozco.

Una de las principales críticas que recibe Spotify es la dificultad de descubrir artistas: a diferencia de Pandora o Last.fm, sitios especializados en sugerir nuevas canciones en función de tu perfil de escuchas, el programa originalmente desarrollado en Suecia propicia acceder cómodamente a temas, discos y listas ya conocidos, incluso al margen del ritmo de novedades que marcan las radiofórmulas y las discográficas. La escasa originalidad de su hit parade da buena cuenta de esta característica.

Primero, porque con la controvertida decisión de trasladar el Summecase a las mismas fechas que el FIB se obliga al público a elegir. Y segundo, porque los promotores de ambos festivales (y otros tantos), yendo a saco para ofrecer exclusivas, lo único que están logrando es hinchar la burbuja. Y cuando explote, ¿qué? Pues ya veremos.

Al final, los únicos beneficiados son los propios grupos, cuyo caché se pone a alturas ficticias. Pero, cuidado, que esto también puede ser pan para hoy y hambre para mañana. En cierto modo, esto siempre me ha recordado a cuando los ayuntamientos, allá por los 80, les dio por contratar a grupos para conciertos gratis en sus fiestas patronales. Los promotores aprovecharon el dinero público, los grupos se hincharon a dar conciertos y muchos de ellos vieron cómo se les pagaba cantidades desorbitadas por tocar ante cuatro gatos.

Cuando la marea bajó (que lo hizo), lo que quedó fueron los restos del incendio. Algunos grupos sobrevivieron, pero otros, cuyo caché no reflejaba la realidad de su tirón, se dieron de bruces con la realidad y ya no pudieron adaptarse a dar conciertos en salas pequeñas.

Hay otro punto negativo de la guerra Summercase-FIB. Los hermanos Morán, organizadores del FIB, habían anunciado para este año que el festival iba a tener un gemelo en la zona norte. Estoy casi seguro de que a los norteños se nos ha privado finalmente de ese nuevo FIB por culpa de la decisión de Sinnamon de ocupar las mismas fechas del calendario que Benicassim. No me extrañaría nada que los Morán hubiesen dicho “para huevos, los nuestros” y que Madrid no haya sido una elección casual.

Ahora mismo, el segundo día del Summercase tiene que ser muy potente, porque My Bloody Valentine son un cabeza de cartel con atractivo suficiente como para quitar público potencial al festival de Sinnamon. Y demos gracias a Dios de que los artistas no tienen el don de la ubicuidad porque, si no, los Morán también serían capaces de montar otro minifestival en Barcelona en esas mismas fechas.

Dice la organización del FIB que la decisión del Saturday Night Fiber madrileño no es consecuencia del Summercase, que el motivo de este concierto son sus propios “intereses como empresa”: “El mercado nos obliga a competir y un segundo evento es importantísimo para mantener nuestra posición, para hacer ofertas dobles a los artistas”, asegura Ernesto González, director de comunicación del FIB.

Perdonen, señores, pero no me lo creo. Esto es un contraataque en toda regla, algo que los hermanos Morán venían anunciando veladamente. Mientras, por un lado, se sostiene que es buena la competencia porque “se consigue mucho público que antes no seguía este tipo de música”; por otro lado, se mandan mensajes más claros:

“Creo que (el Summercase) está utilizando una estrategia que es muy libre de hacerla, pero no la comparto porque esa agresividad está haciendo que hayan unos precios descabellados, porque al final perdemos todos; perdemos nosotros los promotores, pero también el público porque nos obliga a elevar el precio. Si te digo que estamos sobrepagando un 30% el caché del artista, igual me quedo corto. Realmente esta competencia tan feroz que hay ahora mismo aquí en España está provocando que perdamos todos”.

Además, el propio Ernesto González reconoce que las razones dadas por el Summercase para su cambio de fechas (que coincidía con otros festivales) no sentaron nada bien en la organización del FIB. No me extraña: no hay excusa más peregrina que ésa. Primero, porque ahora mismo hay un festival en algún lugar del mundo casi cada día. Y segundo, porque cambias de fin de semana para coincidir con el FIB, que aglutina gran parte de tu público potencial y, por tanto, de tus grupos preferido a la hora de contratar.

Al final, como la estrategia siga siendo la del que más chifle, capador, me da que se canibalizan entre sí. No sólo porque Summercase y FIB estén tirándose los trastos a la cabeza, sino porque a Festimad le ha salido un grano gordísimo con el Electric Weekend y porque los eventos más pequeños ya no pueden pujar por grupos con cierto nombre. Lo repito: como la cosa siga así, sólo veo pérdidas en el horizonte. Y, desde luego, no esperéis que mejoren los servicios de los recintos: casi todo el dinero se irá a manos de los propios grupos. Como dice Abel Suárez, programador de Primavera Sound, “el primero que pierde en la guerra de festivales es el público”.

Por P. Roberto Jiménez, periodista, autor del blog ‘El ruido de la calle‘ y colaborador en ‘Hipersónica‘

• Gafas de Marc Jacobs: 300 euros.
• Sombrero de Hazel: 20 euros.
• Chaleco de H&M: 20 euros.
• Camisa de H&M: 20 euros.
• Pantalones de H&M: 30 euros.
• Zapatillas adquiridas en una tienda de Gran Vía: 60 euros.

Otro tema del que he hablado muchas veces, es que tengo escasa pasión por lo dulce y por eso mi elección a la hora de hacer un helado para la convocatoria de HEMC [Hecho En Mi Cocina], ha sido la de un helado salado. Partiendo de una receta clásica de guacamole, pensé en un corte de helado con unos barquillos elaborados a base de tomate crujiente.

Ingredientes

• 2 aguacates
• ½ yogur griego
• 1 cucharada de comino molido
• ½ copos de guindilla seca
• Sal
• Tomate
• ½ taza de azúcar
• ½ taza de agua

Elaboración

Pelar los aguacates, sacar la pulpa y triturarla con un tenedor. Añadir el comino en polvo, los copos de guindilla seca, el medio yogur y salar el conjunto. Se tritura con la batidora, hasta que quede una masa bien homogénea. Siguiendo el método de La loca cocina para hacer un helado exprés, se hace una crema helada.

Hacer un almíbar mezclando la misma cantidad de agua que de azúcar, poniéndolo en un cazo a calentar hasta que se disuelva completamente. Cortar el tomate en rodajas finas y darles un baño con el almíbar. En una lámina de silpat, silicona o una hoja de papel vegetal, se ponen el tomate y se introduce en el horno a una temperatura de 80ºC durante 2 o 3 horas, hasta que se quede completamente seco y crujiente.

Con ayuda de un molde haremos el corte de helado, colocando debajo una lámina crujiente de tomate, un disco de helado de guacamole y de nuevo una rueda de tomate. Esta es sólo un idea de presentación, posiblemente poco práctica, así que sugiero poner el helado en una copa de cóctel con el crujiente pulverizado y unos nachos como acompañamiento.

Por Garbancita, desde Pamplona. Esta receta se publica también en i+D en mi cocina

Si tienes un blog gastronómico y quieres participar con tu receta, ponte en contacto con urbit.es

Cristina, o Garbancita (así se llama en internet), abrió su bitácora I+D en mi cocina en marzo de 2006 y actualmente se encuentra en el top 25 de gastronomía en Wikio. Además, los lectores la aúpan dentro del top 500 de blogs de Alianzo (es el 7º en su Comunidad Autónoma, Navarra). Cada semana, te acercamos el ingenio de un colaborador a los fogones.

P.- ¿Cómo te planteaste tu blog al principio y cómo lo ves ahora?

R.- Me lo planteé de una forma bastante impulsiva, sin tener un proyecto claro en mente. Mi interés era registrar muchas de las recetas que improvisaba a veces en casa y que, por no anotarlas, se perdían en el olvido y nunca más volvía a cocinarlas. Tampoco tenía planteado que tuviese utilidad para los demás, así que no contaba con que la gente me leyese.

Ahora mismo el blog es uno de los motores más importantes de mi vida, sobre todo porque está cambiando mi vida laboral. Y que algo tan inocente como un blog te permita trabajar en lo que realmente te apasiona, es una oportunidad que muy pocos tenemos.

P.- ¿Qué has aprendido con él?

R.- Particularmente he aprendido de mí misma, descubriéndome cualidades que ignoraba que tenía, como la creatividad y la capacidad de comunicación. A veces necesitas a otros para darte cuenta de quién eres. Por ese motivo también he aprendido de los demás, de mis lectores y también de mis detractores, unos te inspiran a hacerlo mejor y otros te reafirman en lo que haces.

De forma general el blog me ha enseñado lo diverso que es el mundo de la gastronomía y las muy diferentes formas que hay de entenderla. Creo que me harían falta varias vidas para aprenderlo todo sobre la cocina y nunca me aburriría.

P.- ¿Cuánta gente te ha permitido conocer (en el mundo virtual y en el real)?

R.- Ufff, he conocido a cientos de personas; ¡algo increíble! En el mundo virtual hay una comunidad inmensa de gente aficionada la gastronomía y formamos una red de blogs muy cohesionada. Tanto que, ya en el Forum Gastronómico de Santiago, se produjo el I Encuentro de bloggers enogastronómicos del país, donde se nos invitó a un debate con críticos gastronómicos profesionales, en el que participó Ferrán Adriá.

Pero quizás, lo más sorprendente ha sido poder conocer a grandes profesionales de la gastronomía. Recuerdo mi primera experiencia en ese sentido a los pocos meses de haber empezado con el blog. Me invitaron a un importante congreso gastronómico y de repente me vi compartiendo mesa, frente a frente, con los hermanos Roca, del Celler Can Roca, y Andoni Luis Adúriz. Estaba al borde del colapso nervioso. Ahora ya no me impresiona tanto porque tengo una relación muy directa con algunos de ellos.

P.- ¿Qué beneficios te ha aportado en cuanto a tu dedicación a la gastronomía?

R.- Sobre todo en conocimientos. Poder asistir a congresos y aprender directamente de los chefs más importantes es algo que no tiene precio. Unos de los rasgos que mejor definen la gastronomía, en la mayoría de los casos, es la generosidad y eso es algo de lo que he podido disfrutar de primera mano.

Además me está cambiando la vida a nivel profesional. Escribo para varios medios, hago colaboraciones y he publicado muchas de mis fotos, algo que no estaba planeado que pasase y que sin duda es lo mejor que me ha dado el blog.

P.- ¿Qué cinco entradas enseñarías primero a alguien que no conoce tu blog?

R.- Posiblemente enseñaría aquellas recetas más exclusivas o las que más tráfico traen al blog, como la mermelada de cebolla, la sal de vino, o los bombones de morcilla con gominola de manzana.

Y luego mostraría un par de entradas de las que terminan de definir la identidad de Garbancita® como un blog fresco y original, como las galletas fractales o las pollas en vinagre.

P.- ¿Cómo ha surgido y cómo vives tú el fenómeno de la blogosfera enogastronómica?

R.- No puedo ocultar que yo comencé en esto hace un par de años cuando comenzaron a aparecer blogs gastronómicos como las setas de mayo. La época coincide con el boom mediático de la alta cocina y la cocina creativa. No obstante, la diversidad en cuanto a contenidos de los blogs gastronómicos es tal, que dentro de la categoría de culinarios se podrían hacer 3 o 4 subdivisiones: recetas, crónica y/o crítica gastronómica y divulgación.

Cuando comencé con I+D en mi cocina, no había ningún culinario blog de ese estilo; creativo, desenfadado, ligero de leer…

P.- ¿Cómo te planteas la cuestión del rigor y la calidad a la hora de escribir de gastronomía?

R.- Eso es un tema que me preocupa mucho y en el que pongo mucho interés. Antes de publicar un artículo, tengo que estar muy segura de que el contenido está contrastado, bien argumentado. No puedes ofrecer una receta que no está previamente probada, porque estás dando unas pautas que la gente va a seguir y si no son correctas te lo van a reprochar.

Lo mismo sucede con los artículos de opinión o las crónicas gastronómicas. Aunque sea una información subjetiva, tiene que estar bien argumentada y contrastada, no se puede hablar por hablar de trabajo de un cocinero y su equipo.

P.- ¿Qué opinas de los chefs mediáticos?

R.- En general tengo muy buena opinión de ellos, porque en casi todos los casos su trabajo suele ser divulgativo. Difundir conocimientos sobre nuevos productos, como hace Juan Mari Arzak en el programa de Arguiñano o promover unos buenos hábitos alimenticios entre los niños, tal y como viene haciendo Andoni Luis Adúriz, me parecen dos buenos ejemplos de lo que un cocinero mediático puede hacer a favor de la sociedad.

Ahora, a los que usan su imagen para vender determinados alimentos o electrodomésticos, como hacen otros cocineros, ya no les tengo tanto respeto. Creo que los cocineros tienen el deber moral de velar por una alimentación saludable y democrática, porque no hay otra figura social que pueda hacerlo, ya que la actitud paternalista del Estado no está por defender nuestra alimentación, sino por los intereses de las grandes empresas de alimentación. Sería necesaria una revolución en torno a la comida y ellos podían liderarla con criterio y decisión, ganándose de esa forma el respeto de una sociedad que muchas veces los acusa de frívolos y elitistas.

• Camiseta de Friday Project: 15 euros.
• Pantalones de Bershka: 30 euros.
• Bolso de Bershka: 24 euros.
• Sandalias de una zapatería situada en la calle Carretas: 30 euros.
• Pulsera de Pinki: 5 euros.

Sin embargo, en la gran dinastía de las artes plásticas, la oveja negra es la tipografía, la gran olvidada. El infinito desplegable de fuentes del Word tiene mucha historia y trabajo detrás. Un dato: la familia de letras que se emplea en la actualidad en la mayoría de los libros de lectura, la Garamond, tiene casi cinco siglos de vida. Su creador, Claude Garamond.

El antiguo arte de interpretar y comunicar con texto está muy alejado de la fama en la que viven sus colegas de oficio. “Pero, ¿dónde está la belleza y la armonía en cada una de las letras que en este preciso momento estoy contemplando con más atención que nunca?”, se preguntará el lector. En este pequeño mundo ese no es el único debate.

Existen discusiones que giran en torno a la virilidad de la familia tipográfica Bodoni, la que emplean Zara, Vogue o Carolina Herrera en sus marcas. También hay comparativas exhaustivas que señalan la mínima diferencia entre la Arial y la Helvetica, gemelas a los ojos de cualquier mortal. Hay incluso un auténtico pressing catch tipográfico para acabar con la raza Arial, y un cuestionario para comprobar tu conocimiento sobre ambas.

Si alguna vez quieres iniciarte en esta comunidad, te adelanto que la Comic Sans, esa letra tan simpática que todos hemos utilizado en el colegio para titular algún trabajo, es la bestia negra de la mayoría de estos buenos artistas. Tanto, que existe una asociación que prohibe su uso. Como se puede comprobar, este arte no está muerto; levanta pasiones.

En relación con la Helvetica, hay que decir que se ha convertido en la envidia de las familias tipográficas por un asunto: el año pasado, con motivo de su cincuenta cumpleaños, protagonizó una película documental sobre su impacto cultural y social. Totalmente recomendable, por cierto.

En el film, se le pide al espectador que contemple las miles de letras que le rodean en su vida diaria. Y es que el impacto visual que ejercen en nuestras ciudades es cada vez más importante; pero el cuidado estilístico y formal no hace justicia con nuestro entorno.

Miles y miles de caracteres descontrolados nos rodean para comunicarnos algo cada vez que nuestra cabeza se mueve y pone la vista en el horizonte. Son muchos tipos transformados en marcas y símbolos que saltan a la vista, y crean un espacio de formas y colores cuya homogeneidad es nula. De hecho, más de 50.000 tipos existen desde que Gutenberg inventara la imprenta allá por el 1450, por lo que el popurrí tipográfico es inabarcable. Salir a la calle es una muestra de arte tipográfico que nuestros pasos hacen itinerante en forma de vallas publicitarias, neones comerciales, letras corpóreas o banderolas luminosas en los que la integración entre arquitectura y tipografía no suele dar un saldo positivo.

Enric Satué, un gurú del arte tipográfico, propone para mejorar el paisaje comercial urbano una serie de medidas, como reducir las letras de los rótulos a una tercera parte, controlar el número de tipografías y velar por la armonía de los colores. De momento, sus plegarias han sido escuchadas en el Ayuntamiento de Munich, que ha unificado las tipografías de los rótulos comerciales del centro de la ciudad. Y es que los tipos sólo son tipos cuando son agradables.

Los amantes del diseño están de suerte. El recién nacido Caixa Forum de Madrid alberga hasta finales de agosto carteles publicitarios que marcaron tendencia. Tras encargarse del cartel de la célebre actriz del momento, Sarah Bernhardt, Aphonse Mucha (1860-1939) se convirtió en una de las personas más buscadas por las estrellas. Todas las divas querían que él, y sólo él, las representara en los carteles publicitarios de sus obras de teatro.

El artista, considerado hoy en día como uno de los padres y divulgador absoluto del estilo Art Nouveau, era el único que conseguía crear un ambiente de misterio y misticismo en un simple cartel de teatro. También sus pinturas causaron admiración en todo el mundo, sobre todo tras la muestra de algunas de sus obras en la Exposición Universal de París en 1900.

Un tentador

Amigo de otros genios como Paul Gauguin, Johan August Strindberg y del grupo de artistas asociados a la revista Le Plume, se interesó por las ciencias ocultas y utlizó en muchas de sus obras metáforas enigmáticas y signos esotéricos.

No menos importantes por la gran influencia que tuvieron fueron sus trabajos publicitarios para pequeños productos, como perfumes y envases de dulces, ya que se adelantó al denominado actualmente ‘packaging’. Lujo, hedonismo, erotismo y fantasía eran los elementos que ya entonces utilizaba Mucha para atraer al espectador. Un siglo después, al público se le sigue tentando con las mismas evocaciones.

Un patriota

Uno de sus grandes proyectos (que también se muestran en Caixa Forum) fue La epopeya eslava, un conjunto de obras que recrean los momentos culminantes de la historia de los pueblos eslavos, ya que el artista fue un fiel defensor de su país, República de Checoslovaquia (las actuales República Checa y Eslovaquia), que nació en 1918. Tanto es así, que diseñó por la causa patriota no sólo carteles, sino también billetes de banco e incluso sellos.

Es el caso de ‘El grito’ -Skrik-, uno de los rostros más populares y reproducidos de la historia del arte. Su propagación en serie pone de manifiesto su arraigo en la cultura popular: versiones de otros artistas como Andy Warhol, apariciones en series como Los Simpsons, inspirador de asesinos como el de Scream. El jeto de Munch se multiplica en tazas y termos de café, camisetas y llaveros, despertadores y paraguas en las tiendas de museos de medio mundo. El último ‘grito’, un peluche del protagonista del lienzo que emite finos alaridos llenos de angustia trascendental al pulsar sobre su cinturón.

Sin embargo, pocos saben algo sobre su creador, el pintor Edvard Munch, y la verdadera historia que hay detrás del grito más desconsolado de la pintura.

Para entenderlo hay que volver la mirada más de cien años atrás. La vida del pintor noruego estuvo siempre marcada por la muerte, la angustia y la enfermedad. Con tan sólo cinco años murió su madre, hecho que afectó a su padre para siempre. Más tarde, su hermana Sophie, con la que compartió su afición por el arte y la música, murió de tuberculosis; suceso que marcó el final de su infancia. A los diecisiete años, tuvo que abandonar sus estudios universitarios debido a sus continuas ausencias por enfermedad. Munch decidió entonces dedicarse a la pintura, y en 1890, a raíz de la muerte de su padre, inicia ‘El friso de la vida’: una serie de lienzos en el que se incluye ‘El grito’, que el propio autor calificó como “un poema sobre la vida, el amor y la muerte”.

Munch escribió en su diario:

“Paseaba por un sendero con dos amigos -el sol se puso- y, de repente, el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una baranda muerto de cansancio -sangre y lenguas de fuego caían sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad-. Mis amigos continuaron su marcha y yo me quedé quieto, temblando de miedo, y sentí un grito infinito que atravesaba toda la naturaleza”.

El pintor noruego se encontraría caminando en una colina desde la que se contemplaba la ciudad de Oslo, cuya silueta borrosa se adivina en el fondo. La figura del primer plano mira hacia el espectador con las manos sobre los oídos, y la boca abierta en un gesto de angustia existencial que resalta su soledad. La fuente de inspiración de este personaje pudo ser una momia peruana que el pintor habría visto en París. En cuanto al color rojo del cielo, podría deberse a la erupción de un volcán situado en Indonesia, cuyos efectos se pudieron contemplar durante meses a lo largo y ancho del mundo.

El pintor realizó varias copias del cuadro. Una de ellas fue robada del Museo Munch en 2004 y recuperada dos años después. Tras un proceso de restauración y mejora, la pintura más conocida del artista vuelve a colgar de las paredes del museo noruego desde el 23 de mayo. Una estupenda excusa para acercarse a la capital vikinga.

• Gafas de Diesel adquiridas en ebay: 80 euros.
• Camiseta comprada en el bar de Copenhague The Moose; 15 euros.
• Pantalones de Nike: 50 euros.
• Reloj Casio adquirido en ebay: 35 euros.
• Bolso (USA) Disney Couture LOOP: 25 euros.
• Sandalias Clarks: 25 euros.